音楽日記

　演奏会は、知名度、実績、ブランドで聴くものではない。

先入観を持たずに、自分の耳で演奏会のすばらしさを判定出来た時の嬉しさはひとしお！

今日出逢った指揮者、オーケストラ、そしてホール。

熱演と音響の良さに驚いた！

また是非聴きに行きたい！！

 

そして、本日最後の曲のフィナーレは、「キーウの大きな門」！

圧巻の演奏に出逢えた喜びと共に、「ウクライナに幸あれ！」と祈りたい。

 

　この騒動がなければ、小澤さんは日本で安泰の指揮者生活を送り、

「世界のオザワ」にはなれなかったかもしれない。

というのも、このあと、小澤さんは、北米で素晴らしい仕事を次々と成し遂げるのです。

シカゴ交響楽団を振り、さらにトロント交響楽団指揮者、サンフランシスコ交響楽団音楽監督に就任する。

 

　ある音楽ジャーナリストは、この時期の小澤征爾が大好きだという。

「日本は自分を見限ったとの思いがあるのか、ふっきれた、若々しい演奏ばかりです。

そもそも、海外のメジャーオーケストラのＬＰジャケットに、堂々と顔が載る日本人なんて、このとき初めて見ました。

特に、サンフランシスコ交響楽団の「パリのアメリカ人」のジャケットは、まるで当時のヒッピー風ファッション。

アメリカではこんな服装で指揮しているのかと驚いたものです。

トロント交響楽団の「幻想交響曲」、演奏はものすごい熱気。

　

 

その後、小澤は１９７３年にボストン交響楽団音楽監督に就任し、２００２年まで務めることになる。

ウイーンフィル　ニューイヤーコンサートへも登壇、

ウイーン国立歌劇場音楽監督もつとめ、

いわば世界クラシック界の頂点に立った。

しかし、その原点はN響事件だったともいえるのだ。

 

「Ｎ響事件は、多くの文化人やマスコミが、様々な見方で論評しています。

そのなかで、もっとも正鵠を射ているように思うのが、

小澤さんの恩師で、当時、桐朋女子学園校長だった生江義男さんの論考です」

生江義男は、通信簿や入学筆記試験を廃止し、のちに桐朋学園理事長をつとめる名物教師だ。

その生江校長が、事件の最中に

『小沢君の音楽を聞いて下さい　一教師のねがい』と題した文を、朝日新聞に寄稿している。

 

　１９５２年、桐朋女子高校に「男女共学」の音楽科が創設された。

【それまでの女子だけの学園に男の子がはいってくるということは、ＰＴＡの間に大きな波紋をまきおこした。

そうした最中に、小澤君はおかあさんに連れられて受験にやってきた】

生江校長は、面接で、女子高に初めて男子が入ることの大変さを説明した。

すると、

【彼は、おかあさんの方をかえりみながら、舌をペロリとだしてうなずいた】

という。

【それからの音楽科は、ある意味で彼を中心に動いたといっても過言ではない。

しかし、よくいたずらもした。

遅刻もまた常習だった。

たのまれれば、いやとはいえない彼の性格は、よく友だちのことまでひきうけては問題になった。

注意されると、ニッコリ笑って手を頭にあげて恐縮する。

が、信念を貫くときの彼の行動は、いかにも自信満々としている】

　遅刻の常習、頼まれればいやとはいえない、そして自信満々な高校生・・・

生江校長は

【いま、ＮＨＫ、Ｎ響に対しての、彼の言動は、学生のころと少しも変わりはない】

として、こう綴るのだ。

【どうして、Ｎ響の先輩の人びとが、愛情のこもった苦言や、指導をしてくれなかったのだろうか。

おそらく、彼は、ニッコリと笑って、手を頭にあげて恐縮したかも知れない。（中略）

若き天才としての小澤と同時に、

人間的にも、芸術的にも未完成な（それだけに無限の未来が予約されるのだが）小澤の両面を、

分けてとりあげたところに、今度の問題が胚胎していたのではないだろうか】

 

「Ｎ響事件の本質は、これに尽きると思いました。

まだ世の中を知らないような青年を招いた以上、Ｎ響は、その責任を負うべきだったのです。

オーケストラは教育機関ではないといわれればそれまでですが、

だったら、呼ぶべきではありませんでした。

ある意味、このときの小澤さんは、未熟な日本クラシック界の犠牲者だったのではないでしょうか」

 

　生江校長は、一文の最後を、こう結んでいる。

【日本での新しいプラスを小澤君に背負わせて、もう一度、彼を世界の舞台にたちもどらせてほしい。

私の願いはこれにつきる】

 

　この事件のさなかでさえ、生江校長のような温かい理解者はいらっしゃったんですね！

このあと、世界トップクラスの指揮者となった小澤征爾は、

多くの音楽ファンと共に、最後までこのような理解者に囲まれていたんじゃないかと感じています。

そして、サイトウキネンオーケストラ、セイジオザワマツモトフェスティバルは、

彼の遺志を未来永劫引き継ぎ、活動していくと表明しています。

そして、彼が館長と音楽監督を務めた水戸芸術館、水戸室内管弦楽団も。

彼の志は亡くなってはいないのです！

 

　小澤征爾は、１９４８年成城学園中学校に入学。

中学ではラグビー部に所属する傍ら豊増昇にピアノを習う。

当時はピアニスト志望だったが、

ラグビーの試合で、右手人指指骨折の大怪我を負いピアノの道を断念。

小澤が、ピアノを諦めようとした時、

「指揮という道もあるよ」

と言って、新しい道を拓いてくれたのも豊増昇だった。

齋藤秀雄の指揮教室に入門したため、

１９５２年、齋藤の肝煎りで設立された桐朋女子高校音楽科へ第１期生として入学。

当時、癇癪持ちの齋藤から、指揮棒で叩かれたりスコアを投げつけられたりするなどの体罰を日常的に受けていたため、

あまりのストレスから自宅の本箱のガラス扉を拳で殴りつけ、大怪我をしたこともあった。

１９５５年、齋藤が教授を務める桐朋学園短期大学へ進学。

１９５７年夏に同短期大学を卒業。

４月に卒業できなかったのは、肺炎で卒業試験が受けられなかったためであり、

のちに追試を受けて卒業が認められたが、

療養期間中には仲間がどんどん仕事をしたりマスメディアに出演したりするのを見て、焦りと嫉妬に苦しんだという。

このとき父から

「嫉妬は人間の一番の敵だ」

と言われて嫉妬心を殺す努力をしたことが、後になって大変役立ったと語っている。

１９５７年頃から、齋藤の紹介で群馬交響楽団を振り始め、群響の北海道演奏旅行の指揮者を担当。

１２月には、日本フィルハーモニー交響楽団にて、渡邉暁雄の下で副指揮者を務める。　

１９５８年、「フランス政府給費留学生」の試験を受けたが不合格となる。

しかし、成城学園時代の同級生の父である水野成夫たちの援助で渡欧資金を調達。

１９５９年２月、スクーター、ギターとともに貨物船で単身フランスに渡る。

このとき、小澤というアシスタントを失うことを恐れた齋藤から渡欧について猛反対を受けたが、

桐朋の父兄会や水野成夫たちの支援を得て、１２００ドルの餞別を受けた。

同年、パリ滞在中に第９回ブザンソン国際指揮者コンクール第１位。

ヨーロッパのオーケストラに多数客演。

カラヤン指揮者コンクール第１位。

カラヤンに師事。

１９６０年、アメリカ、ボストン郊外で開催されたバークシャー音楽祭でクーセヴィツキー賞を受賞。

シャルル・ミュンシュに師事。

１９６１年ニューヨークフィルハーモニック副指揮者に就任。

レナード・バーンスタインに師事。

同年ニューヨークフィルの来日公演に同行。

カラヤン、バーンスタインとの親交は生涯に渡り築かれた。

 

　小澤征爾とＮＨＫ交響楽団が初めて顔合わせしたのは、１９６１年７月。

翌年には、半年間、客演指揮者として契約。

さらに１２月まで契約期間が延長された。

７月には、作曲者メシアン立ち合いのもとトゥーランガリーラ交響曲日本初演を指揮した。

小澤とＮ響のコンビは順調に活動しているかのように思えたが、

１０月の香港を皮切りとするシンガポール、マレーシア、フィリピン、沖縄への演奏旅行で

Ｎ響と小澤の間に感情的な軋轢が生じ、１１月の定期公演の出来ばえが新聞に酷評された。

直後、Ｎ響の演奏委員会が

「今後小澤氏の指揮する演奏会、録音演奏には一切協力しない」と表明する事態となってしまった。

　小澤とＮＨＫは折衝を重ねたが折り合わず、

Ｎ響の理事は小澤を「あんにゃろう」と罵り、Ｎ響は小澤に内容証明を送りつけ、

小澤も１９６２年１２月、ＮＨＫを契約不履行と名誉毀損で訴える事態となった。

このため、１２月２０日、第４３５回定期公演と年末恒例の「第九」公演の中止が発表された。

 

　このトラブルの原因について、小澤が遅刻を繰り返したためという説を八田利一が述べている。

原田三朗もまた、小澤が「ぼくは朝が弱い」と称して遅刻を繰り返し、しかもそのことを他人のせいにして謝罪しなかったのがＮ響から反感を買った一因だったと述べている。

東南アジア演奏旅行における小澤は、ホテルのバーで朝の６時半まで飲み明かした状態で本番に臨み、

マニラ公演で振り間違いを犯して演奏を混乱させ、コンサートマスターの海野義雄らに恥をかかせた上、

「３８℃の熱があった」「副指揮者が来なかったせいだ」

と虚偽の弁解を並べて開き直ったためにＮ響の信頼を失ったといわれている。

ただし小澤自身は、

「副指揮者なしで、孤軍奮闘したぼくは、酷暑のこの都市で、

首の肉ばなれのため３９℃の発熱をし、ドクターストップをうけた。

このような状態で棒をふったために、些細なミスを冒してしまった。

しかし、演奏効果の点では、全く不問に附していいミスであったとぼくは思う。

それを楽員の一部の人たちは、ぼくをおとし入れるために誇大にいいふらし、あれは仮病であるとまでいった」

と反論している。

　後年、１９８４年の齋藤秀雄メモリアルコンサートを追ったアメリカのテレビドキュメンタリーで、小澤はこの事件の背景について

「僕の指揮者としてのスタイルはアメリカ的で、いちいち団員に指図するやり方だった。

でも日本での指揮者に対する概念はそうではない。

黙って全体を把握するのが指揮者だ。

この違いに加えて僕は若造だった」

との趣旨の発言で振り返っている。

しかし原田三朗はこの見解を否定し、

「アメリカで育ったような小澤の音楽と、

ローゼンストック以来のウィーン楽派とシュヒターのベルリンフィル的な訓練に慣れたＮ響の音楽観のちがいが紛争の原因だという見解が、当時支配的だった。

楽団員は若い指揮者をそねんでいるとか、もっとおおらかでなければならない、

などという意見も強かった。

しかし、本当の原因はそんな立派なことではなかった。

遅刻や勉強不足という、若い小澤の甘えと、

それをおおらかにみようとしない楽団員、

若い指揮者を育てようとしなかった事務局の不幸な相乗作用だった」

と述べている。

この時、小澤が病気と称してＮ響との練習を休んだ当日、

弟の幹雄の在学する早稲田大学の学生オーケストラで指揮をしている姿を目撃された事件もあり、

Ｎ響の楽団員の間では小澤に対する反感と不信感が募っていった。

 

　この事件はＮ響にとどまらず政財界を巻き込む社会問題に発展し、

青柳正美、秋山邦晴、浅利慶太、安倍寧、有坂愛彦、一柳慧、石原慎太郎、井上靖、大江健三郎、梶山季之、曽野綾子、高橋義孝、武満徹、谷川俊太郎、團伊玖磨、中島健蔵、黛敏郎、三島由紀夫、村野藤吾、山本健吉、由起しげ子が

「小澤征爾の音楽を聴く会」を結成し、

ＮＨＫとＮ響に質問書を提出すると共に、

芥川也寸志・武満徹・小倉朗といった若手音楽家約１０名が事件の真相調査に乗り出した。

小澤は、活動の場を日本フィルに移し、

翌１９６３年１月、日比谷公会堂における「小澤征爾の音楽を聴く会」の音楽会で指揮。

 

　三島由紀夫は『朝日新聞』１月１６日付朝刊に

「熱狂にこたえる道　小沢征爾の音楽をきいて」という一文を発表した。

 

　日本には妙な悪習慣がある。

『何を青二才が』という青年蔑視と、

もう一つは『若さが最高無上の価値だ』というそのアンチテーゼ（反対命題）とである。

私はそのどちらにも与しない。

小澤征爾は何も若いから偉いのではなく、いい音楽家だから偉いのである。

もちろん彼も成熟しなくてはならない。

　今度の事件で、彼は論理を武器に戦ったのだが、

これはあくまで正しい戦いであっても、

日本のよさもわるさも、無論理の特徴にあって、論理は孤独に陥るのが日本人の運命である。

その孤独の底で、彼が日本人としての本質を自覚してくれれば、

日本人は、

亡命者的な『国際的芸術家』としての寂しい立場へ、彼を追いやることは決してないだろう」

「私は、彼を放逐したＮＨＫ楽団員の一人一人の胸にも、

純粋な音楽への夢と理想が巣食っているだろうことを信じる。

人間は、こじゅうと根性だけでは生きられぬ。

日本的しがらみの中でかつ生きつつ、

西洋音楽へ夢を寄せてきた人々の、その夢が多少まちがっていても、

小澤氏もまた、

彼らの夢に雅量を持ち、この音楽という世界共通の言語にたずさわりながら、

人の心という最も通じにくいものにも精通する、真の達人となる日を、私は祈っている」

・・・

このように述べた。

 

　結局、１月１７日に黛敏郎らの斡旋により、

ＮＨＫ副理事の阿部真之助と小澤が会談し、これをもって一応の和解が成立した。

　しかし

「あの時は『もう俺は日本で音楽をするのはやめよう』と思った」

ほどのショックを受けた小澤が、次にＮ響の指揮台に立ったのは３２年後のことであった。

小澤は後年、

「Ｎ響とのトラブルが刺激になって、よく勉強した」とも述懐している。

 

１９９５年１月２３日、サントリーホールにおいて小澤とＮ響は３２年ぶりに共演を果たした。

このコンサートは、日本オーケストラ連盟主催による、

身体の故障で演奏活動が出来ないオーケストラ楽員のための慈善演奏会であった。

チェロ独奏にはロストロポーヴィッチを迎えての演奏である。

曲目は、

　バッハ　G線上のアリア（阪神淡路大震災犠牲者追悼）

　バルトーク　管弦楽のための協奏曲

　ドヴォルザーク　チェロ協奏曲

　 バッハ　無伴奏チェロ組曲第２番サラバンド（阪神淡路大震災犠牲者追悼）

なお、小澤は、このコンサートを引き受けた理由として

「（Ｎ響事件を知る）昔の楽団員が退職したり亡くなったりしていなくなったから引き受けた」

という趣旨の発言をしている。

 

　自分の最近１０年ほどの間で、繰り返し聴いている小澤さんのＣＤがありました！

プロコフィエフの「キージェ中尉組曲」の中の、特にロマンスとトロイカの２曲です。

小澤さんがベルリンフィルを振った録音なんですが、

バリトンソロが入っているヴァージョンなんです！

自分は、声が入っているヴァージョンは意識して避ける方だったんですが、

この曲、バリトン入りの方が絶対にイイ！

なのに、レコーディングは声が入ってない盤がほとんどなんです。

（原語で歌うのが難しいとか聞いたように記憶しています）　

このＣＤはプロコフィエフの交響曲全集とのカップリングで、

キージェ中尉の声入りヴァージョンを採用したのは小澤さんの意向だと思うんです。

この盤のバリトンソロは、Andreas Schmidt です。

朗々とした、本当に素晴らしい歌声なんです！！ 

小澤さんを偲びながら、シュミットさんのバリトンに耳を傾けて欲しいと思います。

バックの小澤さん指揮ベルリンフィルの演奏も、この曲では文句なく素晴らしいと思う！

 

　ロマンス　https://youtu.be/Uq5L4LFBnyY

　トロイカ　https://youtu.be/Uq5L4LFBnyY

 

 

　小澤さんの演奏で特に強く印象に残っているのは、

サイトウキネンオーケストラとのヨーロッパツアーでもたびたび演奏された、ブラームス第１交響曲

これは、ベルリンのシャウスピールハウスで録音もされて、フィリップスからＣＤリリースされました。

もう一つは、水戸室内管弦楽団とのヨーロッパツアー、イタリアフィレンツェでの公演

ＮＨＫＦＭで放送されましたが、

この中のストラヴィンスキー「プルチネッラ組曲」が、自分の中では今でも最高の演奏です。

（スタジオ録音のＣＤも出ていますが、こちらはお行儀良すぎて好きになれない）

 

小澤さん指揮ボストン交響楽団と自身のナレーションで、

ブリテン青少年のための管弦楽入門を聴くのもいいと思うんだけど、Youtubeにはあがっていません。

 

自分が大学時代に見つけたＬＰレコードの中に、

William Russo作曲「Street Music」という曲が入っていました。

この曲のレコーディングは、小澤さん指揮のものしかないようです。

副題は「A Blues Concerto」で、

Corky Siegel がハーモニカソロを吹き、エレクトリックピアノ（だと思う）も弾いている

これのバックが、小澤征爾指揮サンフランシスコ交響楽団 

そしてこの録音は、ハーモニカ、オケ共に熱い！

 あまり紹介されてないこの曲を聴いて下さい！

 

　第１楽章　https://youtu.be/T_9BnTik2rc

　第２楽章　https://youtu.be/T_9BnTik2rc

　第３楽章　https://youtu.be/T_9BnTik2rc

　第４楽章　https://youtu.be/316ONlGAlak

　毎朝の２匹の犬の散歩の前に雨雲レーダーを確認するようにしています。

今朝は、雨が降り出す予報時刻の前に家を出たんですが、強めの霧雨（？）が降っていました。

そんな散歩の途中でふと思い出したのが、北原白秋作詞･梁田貞作曲の「城ヶ島の雨」です。

この曲を知ったのは、母が父の転勤先で入院していた頃でした。

父が病床の母にオルゴールを贈ったんです。

初めて目にした「ちょっとした大きさのオルゴール」で、三協精機製の立派なものでした。

入っていたのは、「城ヶ島の雨」と「波浮の港」（野口雨情作詞）の２曲でした。

このオルゴールが鳴ったとたん、すぐに虜になってしまいました！

まず、オルゴールとは思えない豊かな響き！

キレイだけど柔らかい高音域、豊かな中音域、手応えのある低音域

そして、あまり聴いてこなかった日本のメロディー

「特有の音階の移り変わり」と言えばいいんでしょうか。

日本人なのに、こういう音楽にそれほど馴染んで来なかったんですね・・・

でも、確実に心の深いところに浸み込んでくる・・・

歌詞を知らないまま、何度も何度も聞かせてもらいました。

母が亡くなった今、このオルゴールは自分の宝物になっています。

 

さて、この曲の歌詞は・・・

 

＜城ヶ島の雨＞

雨はふるふる　城ヶ島の磯に
利休鼠の　雨がふる
雨は真珠か　夜明けの霧か
それともわたしの　忍び泣き

舟はゆくゆく　通り矢のはなを
濡れて帆上げた　ぬしの舟

ええ　舟は櫓（ろ）でやる
櫓は唄でやる
唄は船頭さんの　心意気

雨はふるふる　日はうす曇る
舟はゆくゆく　帆がかすむ

（続く）

 

　３月１２日のクラシック音楽館は、

『共生へのアンサンブル』コンサート ～「孤独のアンサンブル」をこえて

の演奏会を中心に構成された番組でした。

新型コロナによるパンデミックになった２０２０年から３年弱経った昨年の１２月１日に開催された演奏会で、

緊急事態制限で外出もままならない孤独な練習から、

ソーシャルディスタンスの制約での演奏を経て、ようやく以前の状況にもどるまでを、

各楽器奏者の独奏から共生へのアンサンブルへと繋いでゆく趣向のコンサートでした。

 

　クラリネットソロで、チャイコフスキー「花のワルツ」

オーボエフルート２重奏で、グノー「アヴェ・マリア」

ソロやデュオでは、奏者の技量がないと、すぐに退屈になってしまうんですが、

花のワルツ、クラリネット１本であれほどの表現が出来るとは！！

 

後半は４曲しか聴けなかったんですが、大オーケストラ用の３曲とハイドン、本当に素晴らしかった！！

編成は確か、ヴァイオリン３、チェロ２、フルート１、オーボエ１、クラリネット１、ファゴット１、トランペット２、ホルン１、トロンボーン１、打楽器なしだったと思います。

これでマーラー（第６のアンダンテ）もやったんです！

シベリウス「フィンランディア」、ムソルグスキー「展覧会の絵からキーウの大門」は、ウクライナの勝利を願って演奏されたんじゃないでしょうか？

そして、私たちの「コロナの克服」が見えてきた希望としても。

最後は、ハイドンの告別交響曲を奏でることによって、各プレーヤーが元のオーケストラに帰っていくという趣向でした。

 

まず、これほどの小編成で「聞かせる演奏」になっているというのは、

各プレーヤーの最上の技術、それに、これも最上のアンサンブル能力がないと不可能なのです！

そして、決してオーケストラの演奏に負けていない！

オーケストラ演奏の代用でもない！

 

自分は、小編成のアンサンブルは大オーケストラより上の表現が出来ると思っています！

小編成では大音量は出せませんが、細やかな彫りの深い表現に驚かされます。

立体的な表現も、実は小編成の演奏の方が上手なんです。

例えば、水戸室内管弦楽団のマーラーのＣＤ！（音源が直接紹介できないのは残念です・・・）

サンサーンス「動物の謝肉祭」１０名ほどの編成なんかも良く分かると思います。

Youtubeなら、篠崎さんのマロオケの演奏がいくつか聴けます！

安直な効果なんか全くないので、物足りなく聞こえるかもしれません。

でも、

「基本に忠実に、誠実に音を彫琢していく」

これが真の迫力に繋がっていくことにいつか気付くと思います！！

さらに、ここに奏者の感興が乗ってきた時、

鳥肌が立つような演奏に出会うことがあるんです！！

ぜひぜひ、上質の小編成の演奏を聴いてみて下さい！！

 

１つ、この演奏を紹介したいと思います。

チャイコフスキー「弦楽セレナード」　

演奏：サイトウキネンオーケストラ（小編成）

　https://youtu.be/bGHZBAZFYaA

そして、第２楽章だけでなく、第３楽章エレジアもお聴き逃しなく！

素晴らしく感動的なフィナーレまで続けて聴けます！

　https://youtu.be/bGHZBAZFYaA?t=929

「芸術はきれいであってはならない」

「芸術はここちよくあってはならない」

岡本太郎氏の有名な言葉ですが、自分にはピンとくるものがあるんです！

 

「きれいだけではつまらない」

「ここちよいだけではつまらない」

と、自分流に言い替えてみました。

芸術はもちろんですが、全てのことに通じるような気がしています！

食べ物でさえ、この名言が当てはまるのではないでしょうか？

 

自分が一番大切にしたいものは「生命力」です。

多くの人たちがチヤホヤする「儚いキレイさ」なんて、どうでもいいとさえ感じることがしばしばです。

キレイなもの、力強いもの、二者択一なら、

自分は迷わず「力強いもの」に目を向けます！

そして、

「キレイ」は儚く表層的なもの、「美しい」は生命力を併せ持った力強く内面的なもの。

自分はこんな風に捉えています。

 

感動的な音楽は、決して「キレイ」だけでは言い表したり出来ません。

美しいと表現される音楽には、様々な形の生命力が必ず宿っていることに気付くはずです！

 

先日、ドラマの中の尼将軍の名言に触れ、やはり同じようなことを感じました！

力強さ、生命力がないとダメなんだと。

　ウクライナ人の指揮者ユーリ・ケルパテンコ氏が、ロシア兵に射殺された。

 彼は、紛争開始以来占領されているウクライナ南部の都市ヘルソンで、

「占領軍への協力を拒否した」ために、

自宅でロシア兵に射殺された。

 

ロシア側は、

ヘルソンにおける、自称『平和な生活の回復』のデモンストレーションとして、

オーケストラコンサートを利用したかったのだ。

 

しかし、ケルパテンコ氏は、

「占領軍との協力をきっぱりと拒絶した」

 

ケルパテンコ氏は、１９７６年ヘルソン生まれ。享年４６歳。

１９９１年にへルソン音楽学校に入学し、

在学中、民族楽器の演奏家による地方および国のコンクールで受賞を重ねた。

２０００年、キーウ国立音楽アカデミーのアコーディオン科を、

２００４年には、オペラ・交響楽指揮科を卒業。

ヘルソン音楽・演劇劇場の首席指揮者を務めていた。

国際的に派手なキャリアではないが、

地元の伝統楽器を愛し、地元の芸術の発展に貢献するという、

生まれ故郷のために働いた音楽家だった。

 

ヘルソン地域は、

かつてクリミア半島やザポリージャ地域と一緒に「タヴリダ」と呼ばれる、

独自の歴史をもつ土地だった。

戦争が始まる前、

ヘルソンに住み音楽を愛した人の中には、ロシア語話者やロシア人もいたはずだ。

もちろんタタール人や他の人たちも。

ヘルソン音楽・演劇劇場が彼らを排除していたとは、とても思えない。

 

しかし戦争で、

ヘルソンは銃弾と砲撃に踏みにじられ、分断されてしまった。

ケルパテンコ氏は、侵略者のプロパガンダの手先になるのを拒絶して殺された。

 

 

ウクライナの敵国ロシアに、対照的な指揮者がいる。

今年１０月１３日、

ロシアの指揮者ヴァレリー・ゲルギエフが、

スウェーデンの王立アカデミーから追放された。

 「現在ウクライナを攻撃しているロシア政府と緊密に連携している」

ということを理由に、

スウェーデン王立音楽アカデミーから除名された。

 

ゲルギエフ氏は、プーチン大統領と親しいことで知られている。

モスクワで生まれ、現サンクトペテルブルクでキャリアを築いた人物だ。

 

２０１４年のクリミア併合の際には、

いち早く支持を表明し、ロシアの世論に影響を与えた。

また、２０１２年の大統領選では、

プーチン陣営のテレビＣＭにも登場し、支持を呼び掛けていた。

 

ドイツのミュンヘン・フィルで主席指揮者を務めていたが、

すでに解任されている。

フランス、イタリア、アメリカ、オランダなど、欧米のコンサートホールからすでに

「ペルソナ・ノン・グラータ（好ましからざる人物）」として扱われていた。

 

タス通信によると、彼は６月１６日、以下のように発言したという。

 

「私はマリインスキー劇場の責任者」であり、

「マリインスキー劇場には多くの若手演奏家がいるが、

その人たちに時間を割くことができるようになりました」

 

ウクライナ戦争については、彼はノーコメントを通している。

ミュンヘン・フィルは、

「プーチン大統領に対して、公に距離を置くように」

という要請をしたのに、彼から返事がなかったため、解任したのだ。

 

ちなみに、

ボリショイ劇場の音楽監督兼首席指揮者を務めるロシア人のトゥガン・ソヒエフ氏は、

同じ状況に置かれているのに、まったく別の選択をした。

 

フランスのトゥールーズ・キャピトル国立管弦楽団の音楽監督でもあった彼は、

やはり、ウクライナ侵攻に対する態度表明を迫られた。

そして

「最愛のロシアとフランスの音楽家たちのどちらかを選ぶ」

という不可能な選択を迫られたために、

ボリショイ劇場もトゥールーズのほうも、両方辞任したのである。

今年３月のことだった。

 

２０２２年４月、

反骨の反体制ジャーナリスト・アレクセイ・ナヴァルニー氏のチームが、

マリインスキー劇場の若い才能を支援するはずの音楽家名義の慈善基金を通じて、

ゲルギエフ氏が資金流用を行っていたという調査結果を発表した。

慈善基金自体は、

国営企業から４年間で約４０億ルーブル（約３８００億円）の寄付を受けている。

ゲルギエフ氏は、

その口座を個人の財布として、レストランへの旅行、高級酒や葉巻、飛行機代、医者代、光熱費など、あらゆるものの支払いに使っているという。（！）

また、ゲルギエフ氏は、外国にも１億ユーロ以上の資産を、多数所有しているという。

しかし、これらの財産はすべてゲルギエフ氏の申告書に記載されていないというのだ。 

今、若手の教育に本当に時間を割けるというのなら、

ぜひきっちり３８００億円分行って欲しい、と言うべきである！

 

 

政治と芸術

この問題をどのように咀嚼するべきだろうか。

人々は、才能ある有名な人々の生きざまを、よく見ているものだ。

特に戦時の今は、

人々が良心に従って芸術家を非難し、疎外することは当然あり得る。

たとえ非難され排斥されても、

４０年以上経てば、

もし芸術家に本物の才能があり、人々が同情できる隠されていた理由があったり、その難しい立場に理解を示したりできるような要素があれば、

彼らは再評価を受けるだろう。

非難された出来事の当時に若かった芸術家なら、

その後の生き方も人々は見ているだろう。

埋もれてそれっきり、ということはないだろう。

 

才能がある人に甘くなる気持ちだってあり得る。

でも、どんなに才能があるからといって、

非人道的なことをして良いという理由にはならない。

ルネサンスの時代の昔から、この人間の掟は変わっていない。

才能があるなら許されると思っているなら、それは思い上がりであると思う。

　６０年ぶりに見つけたレコードの曲は、幼児のために作曲された音楽だと今までずっと思い込んでいました。

ところが、特に子守唄以外は全くそうではなかったのです！

この中の「The Old Chisholm Trail」を前回紹介しましたが、歌詞はどんな内容なんでしょう？

 

　Chisholm Trail（チザム・トレイル）は、

昔テキサスからオクラホマを経て、カンザス州の鉄道駅ウィチタやアビリーンまで牛を運ぶルートに使われた道で、

この歌は、その道中でのカウボーイの日常を何でもかんでも歌にして面白おかしく歌っているんです。

単純だけど調子がよくて、楽しい（時には自嘲的な）ものなんです・・・

歌う人によって内容はさまざまなんですが、代表的なものを挙げてみると、

 

「みんな傍に来て俺の話を聴いてくれよ

チザム街道での話しをよお～

１０ドルの馬と４０ドルの鞍にまたがって、

牛たちを追ってテキサスを行くう～

食事とくりゃあ、来る日も来る日もベーコンと豆ばっかり。

ちょっとしかないし、アッという間に食っちまわぁ～

朝から晩まで牛追いでクタクタだってのに、

給料は少ないとくらぁ！

もうあんなbossのためになんか働きたくないってんだ！・・・

早く女房を見つけて、落ち着きたいなぁ～！」

 

といった、辛い仕事や不満を歌にしてうっぷんを晴らす・・・

みたいな内容なんですね。

でも、そこには陽気なアメリカ気質も顔をのぞかせていて、

ユーモラスなところもあるんですね！

 

まさに、古き良き時代のアメリカの、

活気に満ちた男たちの歌だったんですね！

 

今となっては、もう両親に確かめることは出来なくなってしまいましたが、

このレコードは、自分がちょうど生まれた頃に買ってくれたものだと思います。

ジャケットには「Sleepy Time Songs」とあり、

レコードＡ面は子守歌を主体にした眠りをさそう音楽です。

反対に、Ｂ面は目覚めのための元気いっぱいな曲が並んでいるんです！

Ｂ面の中の１曲「The Old Chisholm Trail」がずっと心の中に残っていた曲なんですね。

もちろん、曲名が分かったのも今日が初めてです！

調べて初めて分かったんですが、

この歌は、アメリカ西部開拓時代の明るく楽しく元気な歌、

カウボーイ達の陽気な歌なんですね！

歌の中の

Ti yi youpy, youpy yea, youpy yea

Ti yi youpy, youpy yea

は牛追いの時の掛け声らしいです！

The Norman Luboff Choir の元気で陽気な男性コーラスを聴いてみて下さい！

https://youtu.be/QMro5fP4e4s?t=1271

　自分の生家は、父最初の勤務地の社宅だった長崎県西彼杵郡崎戸町（崎戸島）のアパート４階でした。

自分が生まれた時、そこの一室には電蓄（電気蓄音機つまりレコードプレーヤー）が既に置いてあり、音楽好きだった父は良くレコードをかけていたようです。

赤子のための音楽、クリスマスでかける曲等と一緒に、クラシックのレコードがかなりあることに後になって気付き、自分は中学生の頃からその世界にのめり込んでいきました。

その中の１枚が、このフランチェスカッティ独奏のＬＰ盤でした。

メンデルスゾーンとチャイコフスキーのヴァイオリン協奏曲

バックはミトロプーロス指揮のニューヨークフィル

１９５４年モノラル録音のコロムビア盤でした。

当時のＬＰレコードのヴァイオリン協奏曲では、この２曲はゴールデンカップリングで、メンチャイコン等とも呼ばれていました。

 

特にメンデルスゾーンの方は、今でも自分にとって最高の演奏なんです。

この演奏での驚きは、第一にフランチェスカッティのヴァイオリンの音色です。

むせび泣くような独特の艶のある音色、そして音量も常に大きめ、歌い回しも繊細と言うより一筆書きで一気呵成に表現するようなスタイルだと思います。

これだけでも他にない特徴ですが、さらにこの曲としては、テンポが非常に速くダイナミックな演奏の部類に入ると思います。

第１楽章からきわめて情熱的。

カデンツァも第２楽章さえも切羽詰まったような熱を帯びています。

第３楽章でようやくエネルギーが外に解放されるよう！

後で聞いたどの演奏もこの盤とは全く違っていて戸惑うほどでした。

　 https://www.youtube.com/watch?v=1czSsjqqPcw

 

　この演奏から自分が思い起こすことは、

当時の人たちが活躍していた、父がエネルギッシュに頑張っていた、昭和３０年代４０年代の世の中の勢い、そして元気で健全な精神。

これらのこととこのような演奏が全く同期していると強く思うんです。

 

このレコードを目の前にしてこの演奏に耳を傾けると、当時のことが鮮やかに蘇ってくるように感じます。

 

　ちょっと話はそれますが、

当時の人たちは、

前を向いて、常に上昇志向で、毎日を明朗に元気に生きていた。

しかも、前のめりのスタイルだったのに、心があったんです。

温かく包み込む優しさがいたるところにありました。

両親家庭はもちろん、地域社会にも。

 

あ、当時の自分は、こんな風には全くと言っていいほど頑張れていませんでした・・・

でも、周りの人たちや社会がそうだったということは、しっかりと心に身体に刻み込まれているんです。

そして、そんな中でも人一倍明るく元気だった父親の笑顔を誇らしく思い出します。

５人家族をグイグイと引っぱって行ってくれた父の姿が蘇ってきます。

 

不思議な気持ちです。

これほど父親に逆らった子は自分だけでしたから。

でも、父がくれた愛情を、疑ったり否定したりするということはあり得ないということも確かです。

明日最後のお別れを言って、父を見送りたいと思っています。 

　ウラディミール・サモイロヴィチ・ホロヴィッツは、

１９０３年、ウクライナに生まれた大ピアニストです。

ホロヴィッツ編曲、演奏の「ムソルグスキー展覧会の絵」の録音が残っているんですが、これが唖然とするほど凄い！

他に比較するものがないほど素晴らしい生命力に満ち溢れた演奏なんです！！

ホロヴィッツの１９５１年カーネギーホールでのライヴ録音をぜひ聞いて欲しいと思い、

この録音から「バーバヤガーの小屋、キエフの大きな門」のリンクを貼らせていただきました。

　https://youtu.be/aw6qOVHChLs?t=1307

 

ウクライナの全ての方々、そして国としてのウクライナに、

この曲の終曲「キエフの大きな門」のように、勝利と解放が必ずや訪れますよう、

強く祈っています！

　今年のクリスマスイブは、この曲をぜひ聴いてみて下さい！

フォーレ作曲「小ミサ曲」です。

https://www.youtube.com/watch?v=5rJUwk8LQTI

　今日、偶然この曲のこの演奏に出逢いました！

とにかく聴いてみて下さい。

有名な最初のところだけでなく、ぜひ最後まで聴いてみて下さい！

　https://www.youtube.com/

　先週、自分としては驚きの経験がありました。

ヤフオクで入手したブラームスの交響曲全集ですが、予想をはるかに超えて素晴らしい演奏でした！

スタニスワフ・スクロヴァチェフスキー指揮ハレ管弦楽団の演奏のものでした。

奇をてらわず、ていねいにていねいに自分のために音楽してるような演奏。

かと言ってこじんまりまとまってしまっているのではなく、響きにも充分な厚みがあり、充実感たっぷりの内容でした！

特に地味になりがちな第３交響曲が味わい深くしかも力強く仕上がっているのですから、本物の演奏と言っていいと思います！

２つの序曲とハイドン変奏曲も素晴らしかった！

（これは全く自分の感想です！ 世評とかどうなのかは知りません）

このブラームスに関しては、いずれ書けるといいのですが、実はこれから書きたいことは別のことなんです。

この演奏に感激して、「そうだ！スクロヴァチェフスキーのシューマンはどうだろう？」と Youtube や Amazon music を使って探してみました。

 

　シューマンの交響曲は演奏が難しいと昔から言われてきました。

その難しさですが、「重厚な響き効果的な響きを引き出す演奏が難しい」というものです。

カラヤンはオーケストラをたっぷり鳴らした録音を残していて、自分が１０代の頃はカラヤンのような演奏でないと「シューマンの交響曲は重厚に響かない」と植え付けられていたし、自分でもそう思い込んでいました。

カラヤン指揮の恰幅のいい第４交響曲の演奏はＬＰレコードでも繰り返し聴いてきました。

シューマンの交響曲を「鳴りっぷりを良くする」ために、元の楽譜に手を加えて演奏する行為は昔からしばしば行われてたようです。

これに関してはマーラーの編曲が有名で「マーラー版」が存在しているんですが、ワインガルトナーやトスカニーニといった大指揮者も独自に楽譜に手を加えていたそうです。

 

　さて、シューマンの４つの交響曲の中で最も地味なのは第２番だと思いますが、するとこの第２番を上手く聴かせるのはより難しいのではないかと思うんです。

そして、自分も充分に馴染んでいなかったのがこの第２番でした。

ということで、スクロヴァチェフスキーの指揮でまず第２交響曲を聴いてみました。

このあと、自分の大好きな第４番、第３番と聴き進んでいこうと思ったんです。

（続く）

 

　この第２交響曲の深々とした素晴らしい第３楽章 Adagio espressivoをぜひ聴いてみて下さい！

クリストフ・エッシェンバッハ指揮の演奏です。

https://www.youtube.com/watch?v=Yvrki7nJIKo&list=PLexwM939sM9boKHCbEl9zRPlEc3thfD-z&index=7

 

ＰＳ．題のハンス・ツェンダーについてはまだ書いていません。

　廃盤になったＣＤ、流通量が少なかったＣＤ、あまりＣＤを作っていないと思われる国のＣＤ、時には海賊盤ＣＤ・・・

これらはAmazonで探すと沢山見つかります。

さらに原語で検索すると、importＣＤだけでなく、イギリス、アメリカ、ドイツなどのサイトに行きつくこともあります。

この国外サイトの中で「Deliver to Japan」となっているＣＤがあれば、購入は比較的容易です。

レアな音源だと、そこまでしないと手に入らない物があるんです。

特に、器楽曲や室内楽とかになると、オーケストラものに比べてとたんに探すのが難しくなります。

　さて、ヤフオクやメルカリでも中古ＣＤを結構楽しく探せます。

こちらは、国内盤ＣＤで流通が少なかった物とか、セット物がバラで出品されていたりとか。

先週、ＦＭ放送で耳にした、林光作曲「ギター協奏曲 北の帆船」の室内楽版のＣＤをヤフオクで入手したんですが、これはカード決済で支払いました。

そんなことをしているうちに、数百円の安くて面白いＣＤがいくつも見つかりました。

再度支払い方法を見てみると、paypayやＴポイントが使えるではありませんか！

嬉しくなって、現在ＣＤ６枚ほどの落札に参加しています。

・スクロヴァチェフスキー指揮ハレ管弦楽団の、ブラームス交響曲全４曲

・マッケラス指揮の、シベリウス交響曲第２番

・セルゲイ・スタドレル独奏の、チャイコフスキー ヴァイオリン協奏曲

・ミトロプーロス指揮ニューヨークフィルのショーソン交響曲（１９５３年録音）

 

凄く楽しみなんですが、とっても大切なことを忘れないようにしないといけません！

「ＣＤが届くけど、支払いは全部Ｔポイントだからね！」

って、カミさんに伝えておくことです！（笑）

　先日、突然テレビ番組の中でビートルズの「Let it be」が流れました。

本当にいいですよね・・・！

生き方の原点を見つめ直させる曲の一つのようにも聴こえます。

そして、歌詞や曲の意味を全く知らなくてもすごくいい音楽だと思いませんか？

この曲のこと何か書こうと思いましたが、やっぱりうまく書けません。

みなさんおなじみですが、オリジナルのリンクを貼っておきます！

　https://www.youtube.com/watch?v=eOXDt1XvHgY

　昨年と同じになるんですが、やは今夜はこの曲を紹介したくなるんです。

Benjamin Britten 「A Ceremony of Carols」 

今日は、Youtube のこの演奏を聴いてみて下さい。（本当に残念ながら広告が入ってしまうんですが）

　　https://www.youtube.com/watch?v=KSt1Zljnql0

　まさに天から響いてくる歌声。

その声がはるかかなたから近づいてくるんです。

そして、あぁ、こんな音楽があるんだ・・・というような別世界の音楽をいくつも届けてくれます。

そんな中に、意志的な力強さを感じさせる曲もあるんです。(This little Babe)

そして最後は、この歌声ははるかかなたに消えていきます・・・

　以前紹介したPrimeseatベルリンフィル配信で、バルトークの第３ピアノ協奏曲、それにステンハンマルの第２交響曲がブロムシュテットの指揮で聴けるというので、心待ちにしていました。

昨年、２曲とも48kHz24bit 配信が行われ、バッチリ全曲録音させてもらいました！

どちらの曲も、力で押すような演奏だと台無しになってしまう曲だとすごく思っています。

特にバルトークの方は、死の床にあった作曲者が協力者の応援を得ながら、最後の力を振り絞って書き続けた曲なんです。

このデリケートな陰影に富んだ音楽を、ちょっとでも力任せに演奏して欲しくない！

　バルトークは、息子に次のように手紙に書いています。

 

　私はお前の母さんのためにピアノ協奏曲を書くつもりだ。

長い間計画が宙に浮いていたものだ。

もしこれを彼女が３、４カ所で演奏できたら、私が断った委嘱作１作分くらいのお金にはなるだろう。

 

　この第３協奏曲が、優れたピアニストであった妻への誕生日プレゼントになるように、とも考えていたようです。

この曲の作曲当時のバルトークは、白血病の末期段階を迎えていたのですが、本人が自分の健康状態をどこまで自覚していたかどうかは分かっていない、と言われています。

いや、彼ははっきりと分かっていたと思います。

白血病の辛さは最近の報道でも知られている通りだし、彼が病名を知らされていなかったとしても、死期を感じていなかったとは考えにくいでしょう。

そう推測させる根拠があります。

この曲の草稿には、最後のページに "vége"（ハンガリー語で「おしまい」）と書き込まれているんです。

病の苦しさと闘いながら、「やっとこれで最後だ！」

この曲も、作曲の仕事も、そして自分も　・・・　これで終わりなんだ、と。

スケッチを完成させた夏頃から急速に健康の悪化したバルトークは、

家族や知人の作曲家らに手伝ってもらい、病床で必死にオーケストレーションを続けました。

しかし、完成まであとわずかの９月に病院に担ぎ込まれ、作業は中断したまま、数日後ついに帰らぬ人となってしまうんです。

文字通りの絶筆になってしまいました。（その後、協力者たちによってこの曲は補筆完成されています） 

 

　実は、たった今、Primeseat でこの曲の配信を聴きながら書いています！

前回と同じピアノ独奏はアンドラーシュ・シフ、それにブロムシュテット指揮ベルリンフィルの演奏で、今日の最後のメインはブラームスの第１交響曲なので、前回とは別の演奏会かもしれません。

　バルトークと言うと、いかにも難しくとっつきにくく、またピアノ協奏曲第２番などは過激で攻撃的と言える興奮を煽り立てるような音楽なんです。

そんな音楽を書いてきた人の最後の作品がこんなに simple になるとは・・・

とても同じ人が書いた音楽とは思えない・・・

 

　この曲を紹介する時、自分だったら、「まずは、第１楽章の終わりのところから第２楽章全部を聴いてみて下さい」と言うと思います。 

　https://www.youtube.com

　この曲の第２楽章を、夏の夜に明かりの周りを飛び交うかげろうに例えている評論家がいました。

 

　翌朝には一生を終えるかげろうが、最後の夜に小さいながらに力を振り絞って優雅に飛び回っている。

最後に一瞬の輝きを放って儚く散っていく命・・・

 

自分はこのこじんまりした華やかさと儚さをいつも頭に浮かべてしまいます。

そして、特に、第２楽章の終結部。

こんなシンプルな楽章の、そして最後のたった２つの和音がどうしてこんな表現力を宿しているのでしょうか・・・

　https://www.youtube.com

　自分は、この新型コロナウィルス対策自粛期間に、

暗から希望を経て明に至る、ロマン派の典型のような音楽を元気づけに何回も聴いてはいるんですが、

それよりも真っ先に聴こうとした音楽があるんです。

そういう気持ちになった理由の一つは、今回の事件は正に現代特有の問題を内包していると言えると思うからです。

 

 

　ここ数か月で何回も繰り返し聴いたのは、

Ｌ・バーンスタインの交響曲第１番「エレミア」と交響曲第２番「不安の時代」です。

自分が大学時代から、最初はＬＰレコードで何度も聴いた曲です。

 

第１番の標題のエレミアについて

「エレミア」はテーマが古代で現代とずれている？ と思われたかもしれませんが、

この内容は普遍的で、正に現代のかかえる問題の核の部分ではないかと感じています。

 

　紀元前７世紀ごろ、ユダ王国は、台頭してきたバビロニアの勢いに恐れをなしていた。

そこで、ユダ国王はエジプトと手を結んで自国の生き残りを図り、だんだんとエホバへの信仰も失っていった。

このとき王を諌めたのがエレミヤであった。

しかし、王はむしろエレミヤ疎んじて殺そうとしたため、彼は身を隠した。

それからしばらくしてバビロニアがユダ王国に侵攻、王国は滅んだ。

エレミヤはこれを神罰だと叫び、今こそ信仰を取り戻して正しい生活を送る時だと説いた。

しかし、誰もエレミヤの言葉に耳を貸す者はなかった。

 

この曲は、そんなエレミヤの生涯を表現した曲と言われています。

自らの予言の通りにバビロニアに侵攻され、荒れ果てた故国を前に、為す術がなかった自身の無力さを嘆くエレミヤ。

「エホバよ、願わくば我らをして汝にかえしたまえ」というエレミヤの絶望が歌われます。

しかし、音楽は、そんなエレミヤの生涯が未来に多くの共感を呼ぶことを暗示して終わります。

 

バーンスタイン自身の指揮による渾身のライブ演奏のリンクを貼っておきました。

彼がベルリン芸術週間にイスラエルフィルを率いて、あのベルリンのフィルハーモニーで熱演した記録です！

説明の箇所から聴けるようにリンクしてありますので、良かったら聴いてみて下さい！

 

第１楽章「予言」

　冒頭

　４’３８”あたりからの弦合奏の悲痛な表現。

第２楽章「冒涜」

　冒頭。この楽章だけ単独で吹奏楽などでも演奏されるようです。

　１０’４４”からのたとえようのない美しい瞬間もあります！

　力感に満ち肯定的に聞こえますが、預言に耳をかさない異教徒の祭礼を描いているようです。

第３楽章「哀歌」

　冒頭。最後の楽章では、旧約聖書の「エレミヤ哀歌」がメゾソプラノ独唱で歌われます。

　１６’１４”あたり静かな悲しみと嘆き。素晴らしい・・・

　１８’３３”からも心に染み入ってくるようです。

　２０’２０”あたりからの叫び。最後のクライマックスです。

　２１’３８’”あたりから最後までのひっそりとしたシンプルな表現。目を閉じて聴いてみて下さい。

 

特定の宗教のみが救済をもたらすというテーマではないと自分は思っています。

自分には、日本人が大昔から試行錯誤で得てきた生活や心（文化）を見直すべきではないか？ がテーマになります。

 

この曲は解決を示す音楽ではないのに、気持ちが沈んで終わるという表現に自分は聞こえないのです。

皆さんはどうだったでしょうか？

１９７２年ギリシャ生まれ。今年４８歳になる話題の指揮者、テオドール・クルレンツィス。

もうYoutubeでも彼の演奏を聴くことができます。

一聴した感じでは、アグレッシヴで切れ味鋭い。大音量と小さな音の差が際立つ。

しかし、まだ精緻な表現になっているとは言えないのでは？

自分だって、お行儀のいい綺麗なだけの表現なんて聞きたくもないけれど、　

鳥肌が立つような真のエキセントリックな表現とは、もっと深みのあるものだと感じる。

今日、チャイコフスキーの悲愴交響曲全曲を聴いてみた自分の感想です。

　https://www.youtube.com/

 

でも、彼の言いたいことの本質はその通りだと思うし、これから先、コマーシャリズムに乗らない本当の仕事をしていけるのなら、彼が真の表現者になっていくんだと思います！

今、色々と言われても、時間が真の評価を下すでしょう。

 

以下、インタビューで彼の語ったことをいくつか紹介してみます。

「僕たちの演奏にはいつも賛否両論の反応があるんだけど、自分たちはどちらかといえば保守的だと考えているんだ。

なぜなら僕たちは、作曲家が何を求めていたか、それを信念を持って追求しているのだから。

今は世の中全体が商業的だから、信念を持たずに仕事をしている人たちが多いんじゃないかな。

だから信念を持って何かをする僕たちが奇妙に映るのかもしれない」

 

「僕にとって理想的なのは、ムジカエテルナのメンバーたちと一緒に修道院にこもって、朝日が昇るのとともに瞑想しリハーサルをする生活。

そこに、僕たちの音楽を聴きたい人たちだけが聴きにくる。

そして3か月に一度ぐらいは外に出て、僕たちのスピリチュアルを街の人に聴いてもらう。そんなコミュニケーション」

「僕たちのミッションは、まずはスコアに書かれている音を再現すること。

でもそれだけではなく、音楽に書かれているスピリットを表現しなければならない。

残念ながら音楽大学の学生たちが学んでいる９９パーセントは、『正確に音を出す』ということ。

そして、『こう弾けばこういう感情に聴こえる』というテクニックだ。

けれども、自分自身がスピリチュアルを持っていなければ、音の本当の意味は伝わらない。

それを自分で感じなければならない」

 

「僕はミュージック・ラヴァーだからね。いい音楽を聴いてきたよ（笑）。

ロックもかなり聴いた。ヨーロッパ、アメリカ、日本のアンダーグラウンドの音楽には素晴らしいものがたくさんあるんだ。そしてワールド・ミュージック。たとえば1960年代のグアテマラの音楽とかね。

僕はそういう新しい表現にとても興味があったんだけど、そんな率直さが現在のクラシック音楽にはちょっと欠けているんじゃないかな。

見せかけだけの偽物になっているような気がする。

プロフェッショナルな音楽家が、毎日毎日同じようなものを再現してお金をもらう。

結婚式のうわべの祝辞みたいに、何の意味も込められていない。

僕にとってはロックやオルタナティヴ・ミュージックのほうが、偉大なシンフォニー・オーケストラの音楽よりもよっぽど楽しい。

ワールド・ミュージックのミュージシャンたちのほうが、アカデミックな音楽家たちよりも、クラシック音楽に対する理解が深いと思うんだ」

 

そんなあなたがどうしてクラシックの世界にとどまったのかと問われると、

「もちろんクラシックがベスト・ミュージックだからさ」と即答した。

「そんなの、ジャンキー（麻薬中毒者）に、なぜクスリをやめないんだ？と訊くのと一緒だよ（笑）」

そのうえで、現状のお行儀のいいクラシックに警鐘を鳴らすのだ。

 

「僕は音楽的な家庭で育つことができた。5歳の頃からセックス・ピストルズを聴き、そしてクラシックの教育も受けた。

とてもオープンに音楽を聴き、理解していたんだ。

でも他の子供とは違って、街で聴かれている音楽と先生が教えてくれる音楽が違うということに気がついた。

その両方を理解することが、僕にとってはとても大きかったと思う。

アカデミーに走ってしまう人は、世間の音楽をあまり経験することがない。

音楽が何を伝えたいのかという生の声を見失ってしまっているように思う」

今年のウイーンフィルニューイヤーコンサートは、アンドリス・ネルソンスがタクトを振りました。

ネルソンスは、今年４１才の新鋭指揮者で、昨年末惜しくも病で急逝したマリス・ヤンソンスと同じラトビア出身です。

今回の演奏ですが、彼のシンフォニーコンサートで強く感じられるアグレッシブな輝きをここでも感じ取ることが出来ました！ 

ウィンナワルツは伝統的なドイツオーストリアの本拠地の古典音楽ですから、独墺系の昔ながらの演奏スタイルで再現される、又は再現しようとすることが多いでしょう。

しかし、このような音楽にも新風を吹き込む演奏が必要なのではないかと自分は感じています。

もちろん、エキセントリックな、小手先だけの手法では上手くいかないのは当然です。

オーケストラと指揮者が入念なリハーサルを経たあと、本番で、

いかに感興に乗れるか、いかに興奮出来るか、いかに狂気を出せるか、特に指揮者は、最後にこの「輝き」「生命力」をプレイヤーから引き出そうとするのではないでしょうか？

多くのリハーサルを積み、最後は奏者の魂を解放させるということではないでしょうか？

もちろん、演奏はこの要素だけで成り立っている訳ではありませんが、この魂の解放を何より大切にした指揮者を思い出します。

ハンス・クナッパーツブッシュ、シャルル・ミュンシュ、レナード・バーンスタイン、カルロス・クライバー・・・そして最近では、ベルリンフィルのシェフに就任したキリル・ペトレンコ。

ネルソンスからも、そのような方向の演奏を聴きたいと願っています！

クリスマス・イヴにまさにピッタリの曲を聴いて欲しいと思います！

ベンジャミン・ブリテンの「キャロルの祭典」という、合唱とソロハープの曲です。

自分は、昔、器楽曲に反して、人の声の音楽が好きではありませんでした。今はもちろん、抵抗なく大好きなんですが。

でも、この曲は聴いたとたん、好きになりました！

そして、それまで自分が聴いたいかなる音楽とも異なっていたし、いつも大好きな情熱あふれる音楽でもありませんでした。

日常から遠く離れた、清らかな別世界に連れていってくれる音楽です。

　1. 入堂 Procession
　2. 主の降誕を歓迎！ Wolcum Yole!
　3. そのようなバラはない There is no Rose
　4a. あの幼児が That yonge child
　4b. 子守り歌 Balulalow
　5. 四月の露のように As dew in Aprile
　6. この赤子が This little Babe - 聖Robert Southwell, 1595
　7. 間奏曲 Interlude - ハープ独奏
　8. 凍りつく冬の夜に In Freezing Winter Night - 聖Robert Southwell, 1595
　9. 春のキャロル Spring Carol
 10. 神に感謝 Deo Gracias
 11. 退堂 Recession

Youtubeでは紹介したい演奏が見つかりませんでした。

このニコニコ動画も広告が入っていますが最初だけだと思うんです・・・

そして、画面は見ずに音だけ聴いて下さい。（ちょっと音がボケてますが、うるさいのよりはいいと思います）

https://www.nicovideo.jp/watch/sm6956541

それでは、皆様に良いクリスマスでありますように・・・

ここ数日、早朝から涼しかったり、雨が降っていたりです。

日の出が遅くなっているのも、はっきりと分かります。

あれほど暑かった今年の夏も、ゆっくりと去っていこうとしています・・・

今朝林にさしかかると、ヒグラシの静かだけど大勢の合唱が聞こえてきました。ヒグラシって夕方だけじゃないんですよね。

そして雨がポツポツと降ったり止んだり。

その中を傘を差したり閉じたりしながら速足で職場に向かいました。

この空気なら確実に快適なんだけど、やっぱりさみしい・・・

 

自分は、スピードウォーキングの時、人通りがまばらな時間ならYoutube その他を使って音楽を小さい音で聞いています。

イヤフォンは使わず、腰ポケットのスマホから聞こえてくる小さな音を聞きます。

馴染んでいる曲なら、途切れ途切れに聞こえるだけでも音楽を追っていけるんです。

 

今年の夏が行ってしまう前に、若々しく、とびっきり情熱的なワンシーンを紹介したいと思います。

マーラーの交響曲第１番「巨人」の、第４楽章開始からちょっと過ぎた部分です。

　https://www.youtube.com

３９ ′ ２７ ″ からのところです！

長い長い呼吸の盛り上がり！

そして ４１ ′ ２２ ″ ～ ４２ ′ ２１ ″ のクライマックス！

さらに、そこから４３ ′ ０６ ″ まで長い時間をかけてゆっくりとゆっくりと波が引いていく部分！

馴染んだら、目を閉じて音だけに集中して聴いて欲しいんです。

若々しく素晴らしく、いつ聴いてもとても熱い音楽だと感じます！！

 

・・・ この部分のあとは、劇的な音楽が展開されていきます！

最後に、フィナーレの凄い熱狂をどうぞ！！

　https://www.youtube.com

５３ ′ ００ ″ から聴いて下さい！

ヒンデミットの「画家マチス」をＦＭ放送で久しぶりに聴いて、ヒンデミットの他の曲も聴いてみようと思い立ちました。

自分のＣＤを探してみたら、弦楽と金管のための演奏会用音楽、ウェーバーの主題による交響的変容、室内音楽第２番、等が見つかりました。

ヒンデミットについて、「ロマン派の次の時代の音楽を造ったが、無調には向かわなかった」とありますが、今までの自分には、まだすんなりと馴染めていなかったんです。

でも、今回改めて聴いてみて、特に、弦楽と金管のための演奏会用音楽、室内音楽第２番には興味が湧き、ピアノ協奏曲の形態である室内音楽第２番は、ちょっと面白さを感じました。

あ、まだ「これ聴いてみて」とか言える段階ではないんですが。

 

自分は、中学生のころ、馴染みやすい音楽とか馴染みやすいメロディーとかが元々あって、そうでないものは馴染みにくいんだと思っていました。

まあ、このことは少しは当たっているんでしょうか？

でも、そのあと自分なりにですが、大きな発見をしたんです！

それは、全く無意識の間それもかなり長い間に繰り返し聞いた音楽が、自然に自分の中に浸み込んでいるという事実でした！

最初に馴染みにくいと感じた音楽に、無意識のうちに馴染めていたということです！

これは自分にとって凄いことで、驚きでもあったし、とっても嬉しいことでもありました。

あまり意識せずに色んな曲を聴いていけば、多くの未知の曲が自分の中に浸み込んできて、また好きになれるというはっきりとした実感が湧いてきたんです！

 

でもこれって、特別なことのようですが、実は全く普遍的なことではないでしょうか？

たとえば、ある初対面の人のことを理解しようとしたとします。

意識して短い時間の中でその人のことを知ろうと努力しても、その人と普段同じ時間を普通に過ごしてきた人の方が、はるかにその人のことを深く理解していると思います。

無意識の長い時間を一緒に過ごしてきた家族とか同じ職場の人については、ごく自然に深く理解しているのではないかと思うんです。

 

特にクラシック音楽（この言い方は好きではないのですが）を難しいとか、とっつきにくいとか思っている人がいたら、一度、無意識に長い時間付き合ってみることを強くお薦めしたいと思います！

そこには、簡単には言い表せない、とても多くの世界が広がっています！

たかが音楽のくせに、決して小綺麗なんかじゃない、激しい情熱も、狂気さえも、この世界の中には表現されていると、はっきりと感じることができるんです！

そうです！

「たかが音楽」なんかじゃないんです！！

この頃、かーっと暑くなる陽射しが、時々ですが顔を出すようになってきました。

こんな時、自分は、アルベニスのイベリア組曲を良く聴きたくなります。

ああ、この「イベリア」を聴く季節が来たなぁ、と思うんです。

この曲に対する自分のイメージは、もう焼けるような陽射しの夏の田舎の港町なんです。

暑くて外に出る人もいない頃の、海が目の前にある港町。

海面は陽の光を反射してキラキラと輝いている。

焼けるような陽射しの中、ひっそりと佇む質素な家たちとその間の路地。

そんな中で、イベリアの第１曲エヴォカシオンが瞑想的に静かに聞こえてきます・・・

自分が生まれた長崎の小島と景色がだぶるんです。

（続く）

車で出かける時に、色々なＣＤを持って行くんですが、

今日は、「ＮＨＫ大河ドラマ主題曲集」を数枚の中に入れて出かけました。

このＣＤは、自分が高校時代に夢中になって観た「国盗り物語」のテーマ音楽が入っているんです！

ドラマの中身の素晴らしさはもちろん（！）なんですが、このテーマ音楽に自分はぞっこんだったんです！！

ドラマは、戦国時代に天下の制覇を夢見た斎藤道三が主人公で、野望半ばで倒れた道三の意思を継ぐ織田信長、明智光秀も活躍します。

 

今日、出かけた道中、車の中でこのテーマ音楽を久しぶりに聴いたんですが・・・

参りました・・・！！

今聴いても、とってもいいんです！　カッコいいんです！

ぜひとも、皆さんにも聴いて欲しいです！

　https://www.youtube.com

そうなんです！　特に、１′ １８″ からのこの部分！！

熱い希望に満ち溢れた若者の心を、これ以上ない男らしい力強さと優しさで、そしてロマン溢れる響きで表現している、とでも言えばいいんでしょうか！

音楽が熱いんです！！

何度聴いても、胸がいっぱいになります！

今日も晴れています！

柴犬コータも自分の帰宅をすごく喜んでくれて、朝の散歩もいつものように再開しました！

昨日の素晴らしい陽気の中で、本当にごく自然に脳裏に響いてきた音楽を紹介します！

イギリス、R．ヴォーン ウィリアムスのWasp（すずめばち）序曲です。

この曲の中の、２つめのテーマです！

　https://www.youtube.com/watch?v=5FzSt1oulfA

すずめばちの羽音の描写のあと、勇壮な行進曲風の部分に続き、まずは１’３０’” 付近から聴いてみて下さい。

そして、・・・ もう、体全体が包み込まれるような音楽・・・　３’０９” あたりからです！！

胸がいっぱいになります！

この、春の最高に幸せな日にピッタリだと感じませんか？

そして、悲しい気持ち、辛い気持ちから、一瞬でも解放されていくのをしっかりと実感できるんです！

音楽の底知れぬ力！　自分は音楽の持っている、まさに生命力だと思っています。

ＰｒｉｍｅＳｅａｔは、

株式会社インターネットイニシアティブが提供する、デジタル高音質音楽配信サービスです。

２４Ｂｉｔ９６ｋＨｚＰＣＭデータをネットで無料配信するというのですから、ちょっと凄いことなんです！

ＰＣＭということは、もちろん非圧縮音源です。

その上、超目玉なのは、ベルリンフィルのライブ配信などを定期的にやってくれるところです！！

ライブ配信以外に、聞き逃し配信期間もしばらくあります。

キリル・ペトレンコの就任記念コンサートなんかも配信してくれました！

Ｒ．シュトラウスのドンファン、死と変容、それにベートーヴェンの第７番でした。

このコンサート、凄かったんですよ！！

 

２０１９年シーズンのベルリンフィルアワーの配信が、今日から開始されました！

ハイティンクの指揮で、シューベルトの未完成交響曲、それにマーラーの大地の歌です。

（テノールはクリスティアン・エルスナー、バリトンはクリスティアン・ゲルハーヘル）

ただし、この録音は２０１６年１０月のもので、新しい録音や今年のライブ配信の予定は、まだ全部決まっていないようです。

すごく楽しみな、ネット上の番組なんです！

　https://primeseat.net/ja/

この曲を初めて聴いたのは、自分が大学生の時でした。

とても強く、この曲に惹かれました！

自分は、昔から自己表現がすごく下手でした。

大切にしたい気持ちは持っていましたが、それを表せないまま過ごしていたように思います。

 

低い音域の控えめな弦合奏、

そして、つぶやくようなそれでいて何かを秘めているようなハープの調べ。

そして、突如、熱いものがこみ上げてきます！

大きな広がりを伴いながら。

それがおさまると、またハープのつぶやきが戻り、静かに曲が終わります。

派手さとは全く無縁の音楽です。

８分ほどの曲ですから、ぜひ最後まで聴いてみて下さい！

　https://www.youtube.com/watch?v=CwRFit-2Bsc

 

普段は静かだけど、熱い心を失わずに持っていたいという気持ちは、昔より強くなってきたような気がします。

チャイコフスキーの後期３大交響曲（第４～６番）は別格として、それ以前の３曲も魅力的な面をたくさん持っているんです！

惹かれるメロディーも次々に出てくるし、ドラマティックな場面もちょくちょく現れます。

いわゆる、これぞチャイコフスキー！ というような個性をしっかりと持っていると思うんです！

その中でも第３番は、ダイナミックであっても、後期交響曲のように深刻ぶらず、よどまず、次々に魅力的な旋律が出てきます。

特に第３楽章の、アンダンテ・エレジアーコは、ドラマの中の感情が高ぶる一場面のようで、一度聞けばきっと忘れられないでしょう！

第１楽章は、「葬送行進曲のテンポで」という、ちょっとだけ深刻そうな序奏で始まりますが、すぐに、アレグロブリリアンテの輝かしく爽快な主部に続いていきます。

また、アレグロ・コン・フォーコ・テンポ・ディ・ポラッカの力強く華やかな終楽章も、とてもカッコイイんです！

終楽章フィナーレの壮大な輝かしさも、Ｈｉｇｈに盛り上がれます！

前期交響曲３曲の中では、最も平易な親しみ易さを持った曲だと言えるのではないでしょうか。

バランシン振付のバレエ「ジュエルズ」の最終幕「ダイヤモンド」では、この曲の第２楽章～第５楽章が使われたそうです。

前置きをちょっと長めに書いてみましたが、急にこの曲が聴きたくなり、ｂｌｕｅｔｏｏｔｈスピーカーでお風呂に浸かりながら、久しぶりに全５楽章を聴いてみました！

次回、ちょっとだけ、迷（？）ガイドをさせていただきますね。

前回（１）からの続きです。

 

　この曲は、フィンランドの民衆の、解放への熱い想いを表現している！　と言う人と、

いや、そのような表題性はなくて、絶対音楽なんだ。作曲者本人がその事を否定しているんだから、そうに決まってる！　と言う人がいます。

もちろん、この曲に表題は付けられていませんし、副題もありません。

作曲者シベリウスが明確に表題性を否定しているんだから、これは決定的だと思いますよね？

皆さんにはどのように聴こえるでしょうか？　この曲を聴いてどう感じるでしょうか？

 

自分は、今の自分は・・・

当時のフィンランドの人たちの、解放と自由への熱い想いの表現であると、強く確信しています！

もう、この音楽を聴いただけで、そうだ！　としか言いようがない！

では、シベリウス本人はなぜ、表題性はないと公言したのか？

だって、もうこの音楽自体が語っているじゃありませんか！　熱く雄弁に！　

真実はそれだけでしょう！

だから作曲者自身が、あとで何を言っても、曲が訴えてくる真実は少しも変わらない。

聴き手が素直な心で聴きさえすれば、言葉なんて関係ない。

シベリウス本人もきっとそう思っていたような気がするんです。

 

昔から、特に自由の無い国のもとで、芸術家も弾圧を受けてきました。

そんな中で芸術家は作品に思いを込め、そして作品自体にだけ語らせる手を使ってきたと思います。

最も最近では、当時のソ連のショスタコーヴィッチがそうだったんじゃないでしょうか。

ショスタコーヴィッチも、あとになって自分の公言を否定したりしています。

 

さて、前回に続いて、

この交響曲第２番の第２楽章以降について、主観的にですが、書いてみたいと思います。

 

第２楽章は、ティンパニのトレモロのあと、低弦のピチカートが続き、ファゴットがほの暗い秘めた旋律を奏でます。

　　https://www.youtube.com/watch?v=Z6iNaFWV3tc　（１０’ ２８” から）

その後、音楽は大きく膨らんでいきますが、明るくはならず、苦悩と葛藤に満ちているようです。

でも熱い気持ちは少しも変わらない。

光明を目指すけど、まだ先が見えない。

その後、苦悩をいさめるような優しいメロディが一瞬現れます。とっても印象的です！

　　（１５’ ２０” から）

しかし、また葛藤に戻り、解決しないまま、この長く暗く重苦しい楽章は終わります。

 

第３楽章スケルツォ、開始からの弦合奏は、実際の激しい闘争のようです。

　　（２４’ ４３” から）

しばし闘争が続いたあと、それがハタと止み、現れるオーボエのメロディー！　そしてそれを受け継ぐ弦合奏！

何と素晴らしい瞬間でしょう！

　　（２６’ ２９” あたりから）

はっきりとした、解決と勝利の予感に聴こえるでしょう？！

ここまでの苦悩と葛藤が長かったので、喜びもひとしおです！

自分は、このオーボエが「そうだよ、そうだよ、来るんだよ！ 春が！」と言ってるように聴こえるんです！

良く聴いてみて下さい！ 他の楽器（チェロとか）も呼応していますね！

（つい最近気づいたんですが、このメロディーはステンハンマルの第２交響曲に引用されているんですね！）

　　（ https://www.youtube.com/watch?v=8ey3wdhE1OI 　（２’ ５７” から繰り返し出てくる））

この勝利の予感は、闘争の弦合奏に中断されますが、

再びオーボエ、他の木管の希望のメロディーが戻り、チェロもはっきりと応え、金管のファンファーレ、弦合奏と受け継がれ、ついに確信に満ちた堂々たる終楽章に突入します！！

　　https://www.youtube.com/watch?v=Z6iNaFWV3tc（２９’ ２０” あたりからそのまま聴いて下さい！）

この部分の素晴らしさは、もう何と言えばいいのか・・・

そして、大きな大きな大河のような流れになります！

このあとのオーボエ他木管の暗いメロディーは、まだ闘いが終わっていないことを表しているんでしょうか？

　　（３３’ １９” あたりから）

そして、穏やかで静かな、つかの間のやすらぎのような部分も現れます。

　　（３４’ ５０” あたりから）

まだ不安げな表情も現れますが、そこから徐々に力を取り戻し、終楽章冒頭のメロディーが戻ります。

　　（３５’ ５０” あたりから）

再度、不安でほの暗い部分と力強い部分が繰り返されますが、音楽は確実に勝利に向かっていきます。

そして、ついに、勝利に向かう息の長い盛り上がりのあと、

　　（４１’ ３４” あたりから）

さらに息の長い（！）、勝利を確かめるような、ゆっくりとゆっくりと、巨大な、そして力強い足取りで圧倒的なクライマックスが築かれ、

　　（４３’ ４３” あたりから）

さらに圧倒的な全合奏で、このおそるべき情熱的な交響曲は閉じられます！！

 

参考にさせていただいたリンク先ですが、

フィンランド独立１００周年を祝う演奏会での、

ヤン・パスカル・トルトリエ指揮アイスランド交響楽団の演奏です。

 

このシベリウスの第２交響曲について、うまく書けるかどうか・・・

 

この前、同じ北欧の作曲家ステンハンマルの交響曲ト短調（第２番）について書きました。

ステンハンマルは、自身の交響曲ヘ長調（第１番）を出版しようとしていた時、

シベリウスのこの第２交響曲を聴き、感銘とともに、自身のヘ長調の交響曲の出版を取りやめ、破棄してしまった・・・！　と伝えられています。

 

シベリウスのこの第２交響曲は、明朗で春の息吹を全身で感じさせるような、清々しい開始で始まります。

　　https://www.youtube.com/watch?v=Z6iNaFWV3tc

厳寒のフィンランドから初めて訪れたイタリアを、シベリウスは「魔法がかかった国」と呼んだそうです。

イタリアを訪れた作曲家が同様に感銘を受け、音楽として表現した例を、すぐにいくつか思い浮かべることが出来ます。

シベリウスの第２交響曲もイタリア旅行の産物としての音楽なんだな、としか思っていませんでした・・・

まったく何ということ！！　こんな熱い音楽なのに、昔の自分は、いったいこの曲から何を聴いていたんでしょうか！

あれから、この曲について色々と調べて、知識が増えたとかで聴き方が変わった？

いいえ！！　絶対に違います！

目が覚めたんだと思っています！　

ちょうどそういう仕事に携わっていた時期だと思います。

願いを実現させよう、気持ちを持って行動しよう、熱く進んでいこう、なんて始終言ってた頃でした。

 

さて、第１楽章はもっと明るく大きく膨らんでいきます。

しかし・・・　短い休止のあと、オーボエの秘めたテーマ（すでに出てきている）が現れると、熱心な聴き手は、はっとするはずです。

ほの暗い、それも熱を帯びた何かが秘められていると。

 　　（３’５８”から）

明るく見えていたのに、明るいだけではない、何か秘めた情熱を持っている。

とっても惹かれるものがありませんか？

 

明るく開始された音楽は、情熱一色に変わっていき、大きな波となって、おそるべき熱いクライマックスを作り上げます・・・！！

　　（５’４８”あたりから）

この曲はただならぬものを内包していることが、ここで明らかになります！

まだ曲が始まったばかりなのに！

そして、第１楽章はやや落ち着きを取り戻しながら、穏やかな雰囲気も交えて静かに終わります。

 

また、頭がカッカしてきました。（笑） 今日はこれくらいにしておきますね。

この続きをまた書こうと思っています。

ステンハンマルに興味が湧いたので、交響曲２曲、ピアノ協奏曲２曲、その他が入っている３枚組を注文し、半月ほど経ってイギリスからの船便で届きました。

中古の輸入盤なんですが、送料込みで１６８０円ちょっと。

このような商品が検索によって探し出せて、しかも手が届く値段で買えるというのは、本当に、驚きと共にすごくワクワクするんです！

昔だったら、全く想像も出来なかったことなんですよ。

ＣＤの通販はHMVに頼っていたんですが、最近はもっぱらAmazonです。

AmazonのImportでも見つからなかったら、Amazon.ukかAmazon.deで探しています。

Discogsも超マイナーなものが探せたりします。

ちょっと困るのは、Amazon.ukやDiscogsへの支払いの時です。

海外への支払いにクレジットカード使用は抵抗があるので、Paypalサービスを使っています。

 

さて、本題の購入ＣＤの演奏についてです。

交響曲第２番は、ネーメ・ヤルヴィ指揮エーテボリ交響楽団の演奏です。

ネーメはパーヴォのお父さんです。また、この曲には「我が親愛なる友人達、エーテボリ交響楽団の団員達へ」との献呈の言葉が添えられています。

この曲に速いテンポはどうかな？ 悪くはないんじゃないかな？ と思っていましたが、今の自分にはダメでした。

 ゆったり構えてたっぷりと歌う、とか、じわじわと充分なクライマックスへ、とかの期待はほぼ裏切られました・・・

この曲には似合わないと思える、せっかちで乱暴な盛り上がりも随所に登場します。

ちょっと今の時点では、この演奏に手が伸びることはないでしょう。

 

ネットでも評判の Stig Westerberg（スティグ・ヴェステルベリ）の演奏は、やはりとても素晴らしい！

日本でほぼ無名のPetter Sundkvist（ペッター・スンドクヴィスト）の演奏も、自分はとてもいいと思いました！

それから、ブロムシュテットでしょうね。

自分の知っている限りですが、この３人の演奏には、曲に対する深い愛情が感じられます。

 

さて、これから、第２交響曲以外の曲をじっくりと聴いてみることにしますね！

シューベルト 交響曲第８番（大ハ長調）

パーヴォ・ヤルヴィ指揮 ドイツカンマーフィルハーモニー管弦楽団

所沢ミューズ アークホール

 

予想以上の超速演奏で、始まると同時に、ああっ・・・と思いました。

どの部分もすごく速めに進んでいく・・・

第２楽章の、あの素晴らしく美しい部分でさえも。

強弱の差は大きいけど、強弱の変化が速い。じわじわと盛り上がったりしない。

弦合奏は、柔らかさより、常にソリッドな感じが強く、また厚みがない。

その割には金管の音量が大きく、金管だけが突出して聞こえることが多い。

弦と金管は融け合うというより、お互いが原色の音で提示される感じ。

最近の古楽器合奏のイメージに近いかもしれません。

ということで、今まで慣れ親しんできた、また感動させられた演奏のスタイルとはまるで違います！

 

しかし・・・

今日の演奏には、生命力、活力が充分に宿っていました！

燃える炎（決して大きな音とかのことではない）も見えました！

音楽を届けてもらう時、この輝きをいつも待っています。

瞬間でもいいんです。粗削りでもいいんです。

完成されたとか、スマートで小綺麗なだけとかの演奏は要らないんです！

今日のオーケストラは、小柄ながら、心意気を充分に感じさせてくれたと思います！

また、アンコールの、シベリウス　アンダンテフェスティーヴォは初めて聴きましたが、とても美しい曲でした！

 今日の演奏に感謝します！

今日、ぜひ書いておきたいことがあります。

明日、所沢ミューズでの、シューベルトの第８交響曲（大ハ長調）の演奏会を聴きに行きます！

パーヴォ・ヤルヴィ指揮ドイツカンマーフィルハーモニーの演奏です。

この曲は自分にとって特別に思い入れのある曲なんです。（多分、この曲にそういう想いを持っているファンは多いと思っています！）

当時は曲名が分からないまま２楽章途中までで切れて録音したカセットテープを何度も何度も聴いていました。

ただ、「シューベルトの交響曲ハ長調・・・」だけは録音テープにアナウンスが残っていました。今ならネット検索で一発で分かりますよね。

ある日、テレビ放送からこの曲が流れてきて、「第７番の交響曲」だと分かり、また、曲の最後まで聴くことも出来ました！

この曲は、第７番、第９番、第８番、と番号付けが変わっていきました。そのいきさつは検索してもらえばすぐに分かります。自分が聴き始めた頃は第７番、現在のウィーンでは第８番と呼ばれているようですが、最近まで第９番と呼ばれることが長かったと思います。（すると、この時の第８番はロ短調未完成です。）

副題に、英語だと「Ｔｈｅ Ｇｒｅａｔ」と付いていますが、これは当初、２つあるハ長調交響曲を区別する意味合いしかなかったということです。

「Ｔｈｅ Ｇｒｅａｔ」が大ハ長調、「Ｔｈｅ Ｌｉｔｔｌｅ」が小ハ長調（第６番）です。

 

自分は専門的なことは分かりません。

しかし、この曲は真に偉大で、ベートーヴェン以上だと思い込んでいます。

（専門家はだれもこんなことは言いません！　シューマンは天国的な長さだと言った。それは冗長だからだ・・・）

この曲は前を向いた生命力溢れる音楽だ、というのはもちろんですが、自分は、遥か彼方を見つめているシューベルトの姿を思い起こしてしまうんです。

彼の手の届かない希望や未来を見つめているような気がするんです。

希望や未来に対する強いあこがれが、曲の生命力につながっていくのではないでしょうか？

この曲は最近まで、死の年１８２８年の作と言われてきました。自身の死を実感するほどの状況で、暗さなど微塵も無い、希望に満ちたあのような曲をどうして書けたんだろう？

死を否定し、希望や未来に対する強いあこがれで書かれたからではないか？　と思っていました。

しかし、最近の研究で作曲年は１８２５年～１８２６年らしいとなったので、この考えは外れているかもしれません。（楽譜が１８２８年と書き換えられていたという説あり）

でも、シューベルトは貧乏で、まだ充分に認められてもいませんでした。

希望や未来に対する強いあこがれがあったはずだ、と思います。

なぜ、ベートーヴェン以上、などと言いたいのか？

ベートーヴェンはもっと身近な所での闘争と勝利、シューベルトのこの曲は遥か彼方へのあこがれ、という気が強くしていて、ちょっと感傷的な気持ちも加わって「真に偉大」だと強く思ってるんです。

なので、自分はこの曲はまさに「Ｔｈｅ Ｇｒｅａｔ」と呼ばれるにふさわしいと思っているんです！！

（英語だとゴージャスでちょっと安っぽい？ 独語の「Ｄｉｅ Ｇｒｏßｅ」の方がいいですね！）

 

うまく言えませんが、文章で理屈を述べるなんてどうでもいいですね。

明日の演奏は、ヤルヴィがさらりと流して演奏するんじゃないかという不安がちょっとあるんです。

第１楽章開始のホルンのテーマ、第１楽章終結部でこのテーマが堂々と再現される部分、第２楽章の天国から呼びかけられてくるような本当に美しい瞬間、波が繰り返し押し寄せるように力強い第４楽章、そして最後に、繰り返される低弦の強奏がより興奮を掻き立てるフィナーレ。

どのように演奏してくれるのでしょうか？

もしがっかりしたら、感想は書けないので、その前に書いておきました。

この曲を聴いて、平静ではいられない気分です ・・・

けど、うなされるように、Jose Cura のテノールを何度も聴いている ・・・

https://www.youtube.com/watch?v=CUqyhayyG-4

 

ビゼーの原曲では、この情熱をサクソフォーンの調べの中に封じ込んでいる。

何気なく聴いいただけだと、通り過ぎてしまうような、時に控えめに、ただきれいに聴こえるだけ。

ギローの編曲は、封じ込められているビゼーの情熱を、そのまま表現した！

この曲を目の前にした歌い手は、冷静に歌おうなんて思わないはず。

 

さて、多くのレクイエム、ミサ曲にも出てくるAgnus Dei（神の子羊）の曲調と、この曲はまるで違います。

Agnus Deiの歌詞は、

 

　神の子羊　この世の罪を消し去るお方よ

　あわれみ給え　あわれみ給え　われらを

　神の子羊　この世の罪を消し去るお方よ

　あわれみ給え　あわれみ給え　あわれみ給え　われらを

　子羊よ　神の子羊　この世の罪を消し去るお方よ

　子羊よ　神の子羊　この世の罪を消し去るお方よ

　われらに平安を与えたまえ

　神の子羊よ　平安を与えたまえ　神の子羊よ　われらに平安を与えたまえ

　われらに与えたまえ　与えたまえ　平安を

 

ビゼーの曲と、この歌詞がどのように繋がっていくのでしょうか？

今の自分には、残念ながら、まだ分からないんです。 

ビゼーの劇音楽「アルルの女」は、彼自身の手でオーケストラ組曲に編曲されました。

また、ビゼーの死後、友人のギローは、別の曲を使って新たな組曲として編んでいます。

これらが、順に、第一組曲、第二組曲、というわけです。

この第二組曲に「インテルメッツォ(間奏曲)」があります。

サクソフォーンのメロディーは、一度聴けば忘れられないでしょう。

 

学校の放課後、吹奏楽部の練習は、部員一人ずつ個々の教室を使うことが多いんですが、

前の職場で、サクソフォーンの練習教室から、突然このメロディーが流れてきて、目を閉じて聴き入ったことを思い出しました。

 

たった数分の音楽ですが、美しいとか、崇高とか、そんな言葉では足りない・・・

いや、もっと違う感情が込められていると思うんです。

何気なく流れるように始まるソロが、すぐに熱を帯びてきます。

激しいもの、狂おしいものがこの音楽には込められていると自分は感じます。

序奏から聴けば、ああそうだ！ ・・・ と、きっと感じられるでしょう。

このような音楽が生ぬるく聴こえる演奏は、絶対にイヤなんです。

（ごめんなさい ・・・ 録音のせいもきっとあるかもしれない）

 

ギローが、ビゼーの死後、この曲に歌詞をつけたのが「神の子羊」です。

サクソフォーンのメロディーをテノールが歌います。

自分は、このギローの編曲を聴いたことがなく、今朝、何気なく、初めて youtube で聴きました。

 

・・・ 参りました ・・・ 朝からノックアウトされた気分になってしまいました ・・・

 

https://www.youtube.com/watch?v=JXbE7uXz6Ks

バックのオケとずれても、さらに情感を込めようと歌っている。（この録音は序奏がかなりカットされています）

 

https://www.youtube.com/watch?v=VoBwBjBiInI

前半がビゼー原曲、２’ ２７” あたりからギロー編曲

 

https://www.youtube.com/watch?v=GwXy-J0j-j4

さすがのパヴァロッティ

 

https://www.youtube.com/watch?v=CUqyhayyG-4

素晴らしい！！

徐々に、徐々に、感情を高めていく ・・・

Jose Cura の熱唱 ・・・ ！！

バックのオケ、合唱共にいいです！

ここ数日、このシンフォニーが頭の中でエンドレスで響いています・・・

 

ステンハンマル　交響曲第２番 ト短調

https://www.youtube.com/watch?v=8ey3wdhE1OI

　第１楽章冒頭からイイです！ そして、そのまましばらく聴いて下さい。１' ３０" すぎからの深い憂愁をたたえた表情・・・

　第３楽章（２２' ４０" すぎから）のノーブルで力強いスケルツォ、さらに ２３' ３２" からしばらく聴いて下さい！

　極めつけは、終楽章のココ！！（４２' １０" すぎから　そして ４５' ４０" すぎからのフィナーレ！！）

 

決して、気難しいとか、とっつきにくいとかないですから、聴いてみて。

１０月のＮ響定期で今年９１歳になる、ヘルベルト・ブロムシュテットがこのシンフォニーを振りました！

ブロムシュテットはアメリカ生まれですが、スウェーデン人の指揮者です。

同郷の名作を広く知ってもらいたい、ステンハンマルの気持ちを音にしたい、という願いが強かったはずです。

ちなみに北欧のシンフォニーと言っても、同世代のシベリウス（フィンランド）、ニールセン（デンマーク）が演奏されているばかりだと思います。

この曲は、ロシアでもドイツでもなく、また、シベリウスでもニールセンでもないと感じられます。

終楽章ラストの息の長い、うねるような弦合奏主導の大きな表現は、熱く、胸がいっぱいになります！！

自分も知らなかった曲で、またスウェーデンの交響曲もベルワルド以外は初めて聴きました。

ロマン派の枠を超える新しい音楽ではないと思いますが、素晴らしい曲をまた一つ教えてもらいました！

1970年代の音楽の楽しみ方にエアチェックがあり、夢中になったなあと、とても懐かしく思い出しました。
と言うのは、当時と違った方法で曲を摑まえるように考え、とりあえず安定して録音が出来るようになり、エアチェックを始めた頃を思い出したんです。

エアチェックとは、「テレビ、ラジオの音楽などの放送を録音して楽しむ」趣味でした。
FMラジオ放送では、音楽がそれなりの音質で流されており、
海外国内のライブ、新譜のレコードなんかも聴けました。
当時ナマの音を除けは、音質の良さは、
（１）マスターテープ、（２）LPレコード、（３）FM放送
という順位付けでした。そう言えば、カセットテープに録音された商品も少しだけどありました。
マスターテープは入手不可能だし聴く機会なんてありません。LPレコードだって子どもには高価すぎて買えません。
そんな中で、FM放送はまさに音楽の宝庫と言っていいものでした。
大の大人でも、ライブ放送をテープレコーダー（オープンリール３８センチ２トラック！）で録音するんだ！ というマニアがいたんですよ。
自分は、中学２年のころから、ずっとこのFMエアチェックに没頭していました。
知らない曲を無料で聴いていけるという、こんな有難い手は他にありませんでした。
当時、オープンリール７号テープにテープ速度９．５cm／sで毎日録音していました。
（ちなみにカセットテープは４．７５ｃｍ／ｓです）
ライブ放送がある時は、１９cm／sの速さで録りましたね。
FMラジオとテープレコーダーをケーブルでつなぎ、録音レベルを勘で合わせて、曲の始まりを逃さないよう集中するんです！　録音中も結構真剣でした。（笑）　
家の中の電気製品のオンオフでも雑音が入ったし、ブレーカーが落ちたりしたらもうアウト！
でもテープの残りが少なくて曲が入りきらなかった、っていうのが一番多かったです！（笑）
録音テープだって新しく買ってもらえませんから、ライブ以外の曲は、「この曲は覚えたな」というものから順に消して、次の曲を録音していくんです。というか、お金が無い子どもに出来ることはこれ以外にありませんでした。
テープは何回も録音再生し痛んでいったし、テープが切れて、セロテープで繋いだこともありました。
テープレコーダーのヘッドも摩擦ですり減っていきました。
ヘッドが摩耗し切り、回転系のメカもへたり切ってそのレコーダーはついに使えなくなりました。
次は、親に頼み込んで安いラジカセ（CDまだない時代です）を買ってもらいました。
結局、このラジカセも、同じように使い込んで壊れてしまうんです。
（大事に使いましたよ。動かなくなるまで愛用しました）
自分でレコードプレイヤー等ステレオ一式を揃えるまで、ラジカセを何台消耗したかもう覚えていません。
カセットテープがワカメ状になっちゃったり、メカに巻き付いたり、カセット内部のハブあたりまで食い込んだりした経験ありませんでしたか？
自分は、カセットケースのねじ止めを外して、修理しました。やはり、テープを切ったり繋いだりして何とか使えるように直しました。
とにかく、子どもには買い替えなんて出来ないんです。
まあ、当時は大人だって、物を修理しながら大切に使うのが当たり前だったと思うんですが。
（続く）